Marku Ribas: Uma Saudade

Marku Ribas foi um artista cujo trabalho mereceu muito mais atenção do que recebeu. Ao longo de sua carreira, ele deu ao seu público uma criatividade com alegria e sem medo de correr riscos. O multi-talentoso e espírito-livre Ribas, foi o artista que oficializou a “polirritmia”, uma técnica de produzir sons com o próprio corpo. Suas performances eram hipnotizadoras e demonstravam um músico bem à frente de seu próprio tempo. Foi com tristeza que soubemos de sua morte, no dia 6 de abril, aos 65 anos de idade em decorrência do câncer.

Até mesmo em morte, Ribas demonstrou mais uma vez seu lado alternativo. Durante 2 dias, Twitter e Facebook foram inundados com mensagens de pêsames e despedidas de seus amigos e de quem teve o privilégio de ter trabalhado com ele. Entre eles, o múmusico Ed Motta, que escreveu ” Marku tinha um talento exuberante demais para os parâmetros da período em que surgiu. E ter talento demais sempre foi desagradável/desconfortável para toda corja que compõe o tal meio musical, seja num editorial de revista ou mesmo na cabeça mercantilista, cara de pau dos próprios ditos “artistas” que foram ensinados como gado obediente que a grande virtude é a merda do disco de ouro na parede. O disco de ouro obviamente é uma metáfora, já que o mercado não existe como era…”  Outro músico que prestou uma homenagem a Marku Ribas, foi Pablo Castro, que ainda escreveu sobre ele no presente: “Marku Ribas é um dos mais exuberantes músicos brasileiros do século XX, dono de uma voz que raiava as vibrações da natureza, de presença vigorosa e carismática, um ímpeto incomum e uma carreira das mais inusitadas, tendo lançado seu primeiro disco ainda na década de 60, proposto com o melhor acabamento possível a mistura entre o samba e o funk, vivido anos na América Central, e marcando indelevelmente a cena mineira e brasileira com sua torrente criativa.”

Enquanto isso, a  mídia mainstream deu maior importância ao fato de que  uma vez, em 1985,  Ribas participou de um clipe com os Rolling Stones, quase ignorando que ao longo de sua carreira de 50 anos, Marku Ribas gravou 12 álbuns, tocou com vários músicos brasileiros e influenciou muitos outros. Enquanto vivia no Caribe, o artista conviveu com  Bob Markey e ao voltar para o Brasil, ele trouxe em suas malas o Reggae e a filosofia rastafári. Marku Ribas também foi um dos primeiros músicos Brasileiros a viajar para a África com a  intenção de pesquisar novos ritmos.

Talvez, o seu trabalho continuará no circuito alternativo. Quem sabe? Mas o certo  é que ele ainda será descoberto e redescoberto por novos artistas e amantes da  música.

Ao perquisar pelos clipes de seus trabalhos no YouTube, foi difícil escolher apenas um ou dois. ” Colcha de Retalhos”, por exemplo, me fez sorrir e rir espontaneamente. Num arranjo surreal, Ribas conseguiu misturar a melancolia da música sertaneja com o otimismo e energia do samba urbano.  No clipe, é possível ver Rolando Boldrim, um dos maiores promotores do “Sertanejo” no Brasil, se contagiar com o ritmo de seu samba.

Para celebrar a vida e a obra de Marku Ribas, aqui vão alguns  clipes :

Colcha de Retalhos

Zamba Ben

Altas Horas

Just Another Night

(Marku Ribas’ participation as a drummer with the Rolling Stones)

Milton Nascimento e sua banda encantam a noite Londrina

Milton Nascimento

Milton Nascimento abriu o ano de 2013 em  Londres, com um show no Ronnie Scott’s Jazz Club.  Com uma agenda já lotada, não foi possível conseguir uma entrevista cara a cara. Apesar disso consegui dizer “oi” pessoalmente e agradecer pela entrevista por email. Assistir ao show incrível e poder conversar com o Milton, mesmo que brevemente, complementou uma entrevista que inicialmente era vazia do contato humano. Mas acho importante ressaltar que mesmo sem a cor e o ritmo de entrevistas ao vivo, as respostas que o Milton enviou por email, foram diretas e honestas. Foram respostas que me levaram a pensar sobre a produção musical com uma ótica diferente da qual eu estava seguindo.

E quanto ao show …Ah! O show!… O show foi uma experiência que entrou  para a minha lista de coisas que devem ser vividas, ao lado de outras como nadar com leões marinhos nas Ilhas do Galapagos ou ver a Aurora Boreal.  Tal evento me fez refletir  além de questões que possam ser traduzidas com palavras. Talvez por esta razão eu tenha demorando tanto para escrever este artigo.O desafio de descrever este show, com todo o seu lirismo e magia, é grande.

Confesso com uma certa vergonha, que esta foi a primeira vez que fui ao um show do Milton Nascimento. Esta foi também a primeira vez que eu entrava no Ronnie Scott’s Jazz Club – assim como foi a primeira vez, que Milton Nascimento, nos seus 50 anos de carreira, vinha a se apresentar neste clube mundialmente famoso. Estava passando da hora para nos dois. Do bar, dava para ter uma vista privilegiada do palco. Com uma capacidade para 250 pessoas, Ronnie Scott’s tem o tamanho ideal para quem realmente curte música. Os ingressos para o show do Milton  foram  esgotados para os todos as quatro apresentações naquele clube.

A banda da Casa

“Um dia que será difícil de ser batido – entrevistando @milton_bituca para @officialronnies Radio, abrindo o show para ele e cantando “Travessia” (Georgia Mancio no Twitter)”

O show foi aberto pela banda da casa,  “Ronnie Scott’s All Stars”,  com Georgia Mancio como vocalista. Um dia antes, no 25 de Janeiro, ela escreveu no Twitter  ” Um dia que será difícil de ser batido – entrevistando @milton_bituca para @officialronnies Radio, abrindo o show para ele e cantando Travessia” . Georgia compartilhou a entrevista com o publico e repetiu uma estória que ouviu do próprio Milton, quando este interpretou uma música do Tom Jobin, e o viu entrar no palco, bater no piano e dar a bronca: “ Esta não é minha musica!”.  Milton explicou ao Tom Jobim que ele era um intérprete e estava fazendo uma “interpretação”. Em seguida,  Georgia Mancio explicou que também é uma intérprete. De presente,  ela encantou a todos com a sua versão de Travessia. Com James Pearson no piano, Sam Burguess no baixo duplo e Dave Ohm na bateria, foi uma introdução que já fez valer a pena estar naquele lugar. Não! Milton não correu ao palco para interromper  o canto de Georgia, da mesma forma que Tom Jobim o fez. E como poderia? A interpretação de Travessia por Georgia Mancio foi simplesmente belíssima. Ela conseguiu trazer toda a profundeza da emoção que é tão importante para se interpretar uma música tão forte.

Milton entra no palco

Uma banda de peso acompanhou o Milton durante o show. Ele veio com:

• o pianista  Kiko Continentino,  reconhecido pela sua versatilidade e especialisação na obra de Tom Jobim,
• o guitarrista Wilson Lopes, que já integrou a banda “Edição Brasileira” com o maestro Mauro Rodrigues,
• o baixista Gastao Villeroy , que se juntou a banda de Milton para co-produzir e gravar o DVD “Pietá”,
• o grande baterista Lincoln Cheib, que já foi integrante da banda “Sagrado Coração da Terra”,
•  o saxofonista Widor Santiago, que é  responsável por inúmeras trilhas sonoras para programas da TV Globo.

“Uma canção sem nome e sem letra, porque uma pessoa esta dentro dela”

Milton entra no palco, caminhando devagar. Os músicos de sua banda o ajudam discretamente a se mover entre os instrumentos e equipamentos, evitando tropeços.  E assim ele  abre  o show cantando Cais. Sua voz etérea, meio gótica, meio angelical, hipnotiza a audiência. E quando começa a cantar “Cravo e Canela”,  este senhor de 70 anos se transforma num gigante jovial. Em um instante, ele nos presenteia com uma canção que compôs para sua Mãe.  Uma canção sem nome nem letra, “porque a pessoa esta dentro dela” – como ele mesmo explicou.

Como nunca poderia faltar, Milton encanta a todos com “Para Lennon & McCartney”  . Num passe de mágica, ele consegue tirar do armário, todos os Brasileiros  presentes no clube. Os Brazucas , que já não eram invisíveis, fazem o coro,  acompanhando a música com o ritmo de palmas. Milton improvisa bem no estilo jazz e faz um refrão da parte “do lixo occidental”, caminha em direção a platéia e aponta o microfone para o público,  que repete melodicamente:  “do lixo, do lixo, do lixo occidental” . Todos continuam juntos a cantar com muita animação:  “Eu sou da América do Sul / Porque vocês não vão saber/ Mas agora eu sou cowboy/ Sou do Ouro/ Eu sou vocês/ Sou do mundo/ Sou Minas Gerais/”.  O momento foi simplesmente catártico. Era mais do que música. Era como ouvir um recital de poesia cheio de rebeldia discreta e gosto pela vida.

Ao tocar Maria Maria, uma música sobre força e coragem, toda a audiência se transformou em Marias, incluíndo o próprio Milton Nascimento, que nos mostrou toda sua garra, sua dor,  sua alegria, sua graça e sua habilidade de sempre ter um sonho. A este ponto, o público Britânico, já tinha perdido sua  formalidade e resistência, e também se transformou em “Marias”, acompanhando a música com palmas e cantando o refrão final “ La ue la laaa la ue la la la la ue, la la la laaaaa lau eu, la la la la la ra la la, la ra la ra la la la la la….” E assim continuamos a repetir o final da canção, que na verdade, não queríamos que terminasse – a nossa própria resposta para “Hey Jude”. De repente o refrão de Maria Maria se misturou com “Mais um, Mais um, Mais um” enquanto Milton e sua banda se retiravam do palco. Alguns minutos depois eles retornam para fechar a noite com a sublime  “Travessia”.

Conversando com o Milton

Foram não mais que cinco minutos que consistiram de um introdução, um aperto de mão e um muito obrigada por enviar as respostas das minhas perguntas por email. O gigante jovial ainda estava presente, mas em sua forma humana, que é ainda mais interessante, mostrando todas marcas do tempo bem  neste nosso planeta. Haviam muitas perguntas que eu gostaria de fazer, mas depois de um show tão intenso,decidi não incomodá-lo por mais do que aqueles cinco minutos.  Assim dizendo,  me contentei com as respostas enviadas por ele, alguns dias antes.

Respostas reveladoras a perguntas mal pesquisadas

Devo reconhecer que  algumas das perguntas que enviei ao Milton Nascimento foram mal pesquisadas. Não é que eu estava totalmente por fora. Mas Milton Nascimento é um artista com uma presença significante em Minas Gerais. E difícil lembrar que ele nasceu no Rio e tem morado na capital carioca por mais de 40 anos. Em tudo que se refere a Minas Gerais, suas canções inevitavelmente surgem como fundo musical. Por mais que ele insista que não é de Minas, o estado montanhoso  o adotou na marra como um de seus filhos mais ilustres. Mas ele deixou bem claro, que não faz música mineira: Milton  faz música. Ele também revelou que nunca levou a sério o rótulo ” World Music” e que o Clube da Esquina nunca foi um clube “Uai”. 🙂

Berimbaudrum introdução: Os últimos desenvolvimentos em Mídia Digital, especificamente em relação a distribuição, afetou profundamente a indústria de música, levando grandes gravadoras e distribuidoras ao colapso financial, como recentemente vimos a liquidação da HMV. Ao mesmo tempo, estes mesmos desenvolvimentos trazidos pela web (itunes, soundcloud, youtube, etc…) criaram oportunidades que não existiam antes para músicos independentes. A percepção  é  a de que músicos independentes Brasileiros são os mais pro-ativos no uso das mídias digitais, não apenas em termos de divulgação, como também de distribuição e desenvolvimento.  Poderíamos dizer que, mais do que nunca, através da Internet, os músicos Brasileiros estão indo “aonde o povo esta”, como você canta em os Bailes da Vida.  Apesar da diferença ser   de que muitas das estradas de terra dos internautas são virtuais, a Internet é ainda como se fosse um sertão, um velho oeste, que ainda exige muita determinação, energia e fé. Temos por exemplo, a banda mineira ” Graveola e o Lixo Polifonico “, que lançou todos os seus álbums na web. Baseando nestas informações, as minhas perguntas a você, Milton, são:

Ronise:  Se você estivesse começando a sua carreira hoje, qual seria a direção que você tomaria, considerando que as oportunidades e barreiras são muito diferentes ?

• Milton Nascimento : É impossível pensar nisso, até porque eu não comecei minha carreira calculando que direção tomar. Inclusive, eu nunca fiz projeção de nada em toda minha vida. Assim como eu nunca gravei disco ou participei de algum projeto pensando num objetivo, numa finalidade, principalmente comercial. A única coisa que eu penso é na música em si e, se isso vai me trazer algum retorno, é apenas uma consequência da dedicação àquilo que eu amo.

Ronise: Quando você começou a sua carreira,  estávamos passando por mudanças muito profundas na nossa sociedade, apesar da opressão militar em quase todos os aspectos da vida dos Brasileiros. Hoje, temos um Brasil com um nível admirável de participação popular política,   cumprindo a promessa da nação do futuro. Qual é a sua visão desta nova realidade como artista, como cidadão do mundo, como Brasileiro, como Mineiro e como pessoa?

• Milton Nascimento: Sem dúvida nenhuma que tivemos um avanço enorme no Brasil nos últimos anos, mas infelizmente ainda existe uma lista enorme de coisas que ainda precisam ser feitas. E o primeiro ponto que deve ser abordado com extrema urgência é a questão educacional. Se os governos dessem prioridade à educação de nossas crianças mais da metade de nossos problemas seriam resolvidos. É inaceitável um país com tantos recursos ter um dos piores níveis educacionais do planeta. As universidades públicas, assim como as escolas, estão completamente sucateadas e, o pior, os professores ganham mal e os alunos não tem qualquer tipo de estrutura. Como vamos ser o país do futuro se não cuidamos de nossos jovens?

Na verdade, eu não levo muito a sério esse negócio de World Music, pois pra mim, tudo é música e ponto final.

Ronise: A internet esta contribuindo para a promoção da tão chamada World Music, o que muitos críticos  consideram como o novo Rock in Roll. Evidentemente o termo “World Music” surgiu de uma perspectiva Britanica-Americana. Quais mudanças você prediz em relação ao espaço conquistado pela  música Brasileira na categoria World Music?

• Milton: Na verdade, eu não levo muito a sério esse negócio de World Music, pois pra mim, tudo é música e ponto final. E o espaço da música brasileira no mundo começou a ser traçado desde que Pixinguinha correu o mundo com Os Oito Batutas. Depois disso, veio o furacão da Bossa Nova, com Tom, João e Vinicius abrindo os caminhos para a geração que veio depois, Gil, Caetano, Chico… Então, hoje a música brasileira já alcançou seu espaço há muito tempo.

Ronise: O seu estilo musical, e em geral, o estilo musical em Minas Gerais, ( pelo qual você tem recebido créditos como um dos músicos de maior influencia), se destaca de forma distinta por fugir de muitos dos estereótipos difundidos sobre o Brasil no exterior. Porem grande parte destes estereótipos são causados pela perda de valores culturais durante a tradução. Com a sua experiência fora do Brasil, o que você acredita serem os pontos de maior risco de serem estereotipados em relação a musica mineira, e quais são os pontos capazes de resistir a esta tendência?

• Milton: Mais uma vez tenho que dizer, eu nunca faço nada pensando num objetivo final. Outra coisa, eu não faço música mineira, eu simplesmente faço música. E quem coloca os estereótipos é uma parcela da imprensa que sempre tende a rotular tudo.

Ronise: Milton, acredito que como artista, você serviu de inspiração a uma série de músicos que te seguiram desde a década de 70 ate agora. E isto não apenas em termos de estilo musical, como também e principalmente no espírito independente, inovador e próximo da audiência. A minha percepção e a de que os artistas independentes mineiros de hoje tomaram para si a frase ” todo artista deve ir aonde o povo esta” seriamente como um mantra que seguem dia a dia. Porem, há ainda aqueles que consideraram o liderança musical de Minas nas décadas de 70 ate 90, dito o “Clube da Esquina”, como um clube exclusivo e fechado, monopolizando a cena musical de Minas. Qual e a sua percepção e posicionamento neste assunto?

Primeiro, o Clube da Esquina nunca foi um clube. Um clube tem que ter sócios, sede e estatuto. E o Clube da Esquina também nunca foi um movimento, porque movimento tem que ter certo embasamento sociológico. Clube da Esquina é apenas uma calçada entre as ruas Divinópolis e Paraisópolis localizado no bairro de Santa Tereza onde um grupo de amigos se reunia nos anos 1960\1970 pra fazer música e jogar conversa fora.

• Milton:Primeiro, o Clube da Esquina nunca foi um clube. Um clube tem que ter sócios, sede e estatuto. E o Clube da Esquina também nunca foi um movimento, porque movimento tem que ter certo embasamento sociológico. Clube da Esquina é apenas uma calçada entre as ruas Divinópolis e Paraisópolis localizado no bairro de Santa Tereza onde um grupo de amigos se reunia nos anos 1960\1970 pra fazer música e jogar conversa fora. Agora, não entendo isso que você falou de monopólio. Se for assim, então Skank, Jota Quest, Pato Fu e Sepultura monopolizam a cena do rock mineiro e, por serem bandas, podem ser consideradas ainda mais fechadas e exclusivas do que qualquer coisa. Outra, não sei se você sabe, mas eu moro no Rio de Janeiro desde 1967, então, como eu posso fazer parte de um cenário monopolizado do qual eu me encontro fora há mais de quarenta anos? Ao invés de discutirmos “monopólio” e “exclusivo” poderíamos falar de como Minas Gerais entrou no mapa da música mundial depois do trabalho feito por nós a partir dos anos 1960 e o trabalho feito hoje por Sepultura, Skank e muitos outros talentos que surgiram depois da gente.

Babilak Bah

Quero convidar a todos para este sábado.

CORPOLETRADO DE BABILAK BAH

Exposição: O conjunto de poemas estampado no interior da Casa Una faz parte de dois momentos distintos do músico e poeta Babilak Bah reunindo dois períodos criativos, duas paisagens poéticas:

Vôomiragem & Corpoletrado unidos na dispersão de sentidos.

Ao visitar a exposição o público poderá perceber os impulsos de criatividades: os bytes, os fragmentos, as cores, os ritmos dentro da letra, a poesia das imagens que dialogam confundindo sentidos na explosão das metáforas numa criação livre, instigante, as vezes, comportadas, outras, provocando a transgressão do signo que se anuncia numa narrativa com inúmeras possibilidades de interpretação.

Na pele exposta de Babilak Bah há férteis imaginações que transbordam pelos cômodos em poesia, incomodando os menos habitáveis.

Performance: O Corpoletrado de Babilak Bah
Tudo que é escrito está com falta de sentido’
(Roland Barthes /Grão da voz)

O corpoletrado trata-se de…

Ver o post original 100 mais palavras

Ponto de Partida

Finalmente uma versão em Português:

Quando comecei a escrever Berimbaudrum (um blog sobre World Music com uma perspectiva Brasileira), não me passava pela cabeça  que eu acabaria desenvolvendo uma versão em Português. Eu digo versão porque uma tradução fiel ao original não faria  sentido para a audiência Brasileira. Afinal de contas, os artistas Brasileiros  sobre quem  tenho escrito aqui não precisam de apresentações na nossa terra Tupi. Devo também acrescentar que as diferenças culturais acabariam fazendo com que muitas das idéias se perdessem na tradução.

Confesso que a demora da versão Brasileira do Berimbaudrum se deve a insegurança com a minha própria  língua-mãe. Tanto tempo escrevendo em Inglês, acabou enferrujando o meu Português. Enquanto a falta de circunflexos e agudos podem ser desculpados pela falta dos mesmos no meu teclado, deixarei as correções gramáticais e ortográficas para os pedantes da linguagem, que sei que são muitos. Apesar de temer que os meus erros gramaticais serem expostos publicamente, estas mesmas pessoas a qual chamo de pedantes, são muito bem vindas. Afinal de contas, será através delas que saberei que o meu trabalho esta sendo lido. Mas gostaria de que mais do que lido, que seja entendido, discutido e transformado enquanto aprendo mais com vocês.

Mas afinal de contas, o que e World Music?

“World Music” é uma expressão tão equívocada. Afinal de contas  o que é “música do mundo” quando qualquer música pode ser considerada  “Música do Mundo”? A partir da perspectiva de grandes gravadoras baseadas nos Estados Unidos e Reino Unido, “World Music” é tudo o que não é Americano ou Britânico, confirmando assim a  perspectiva eurocentrica. É mais um sinônimo de “exótico”, música que se toca em um café da moda em Londres, Paris, São Francisco ou Nova York. Mas, quando estes mesmos sons, também considerados tradicionais ou folclóricos se misturam com a música altamente comercial, nos perguntamos se a “Música do Mundo” está se espalhando ou se diluindo. Esta mesma pergunta revela a minha própria agenda pessoal: promover a música do meu país de origem. Eu vim do Brasil, um lugar bem conhecido por sua rica musicalidade. No entanto, como um número de Brasileiros da minha geração, eu cresci ouvindo mais músicas Inglesas e Americanas do que Brasileiras. Como é que isso veio a acontecer, é algo que eu gostaria de explicar mais tarde, apesar de que acho que isto não seria necessário para uma audiência Brasileira.

Não foi até quando cheguei a Universidade, para estudar Jornalismo,  que eu comecei a prestar mais atenção e aprendi a apreciar a música Brasileira. Entre o público universitário, havia um interesse forte pela nossa música, não só pelas canções tradicionais como também as sons originais. As Universidades Brasileiras dos anos 80 e 90 se tornaram um oásis para músicos independentes. Uma vez que eu me mudei para a Inglaterra, fiquei surpresa ao descobrir que a maioria das músicas Brasileiras no exterior já tinham mais de 30 anos. Meus novos amigos se surpreendiam quando eu os introduzia ao rock brasileiro. Muitas vezes, seus comentários, seguidos de uma pausa em que pareciam estar escolhendo cuidadosamente as palavras certas para dizer, eram: “Parece bastante moderno”. Tais declarações surgiam como se musica Brasileira não pudesse ser moderna, como se moderno era um eufemismo para “civilizado”, “sofisticado” ou mesmo “de bom gosto”. Embora esta situação mudou um pouco, graças à Internet, o estereótipo dominante sobre a música Brasileira ainda é a de Carmen Miranda com uma tigela de frutas na cabeça, cantando e dançando em tamancos, enquanto uma banda toca maricas no fundo. Ao mesmo tempo, “Bossa Nova” é reduzida  a canção “Garota de Ipanema”. Muito mais preocupante é quando perguntamos a alguns Norte-americanos e Britânicos, que música vem à  mente quando se fala sobre o Brasil e eles costumam dizer é “Copacabana”, de Barry Manillow, enquanto procuramos por um lugar para esconder antes que comecem a cantar a tal música com movimentos desengonçados.

Promover a música brasileira é apenas uma pequena parte da intenção do Berimbaudum. Eu não poderia ignorar a música do resto do mundo, onde sempre podemos encontrar semelhanças e inspiração. Senegal é um bom exemplo atual de música que esta se despontando mundialmente. Além do mais, a música Brasileira tem adotado todos os estilos musicais desde que viemos a nos entender como parte de uma nova nação. A partir da formação de nossa cultura, fomos influenciados pela música do mundo inteiro. Nós aceitamos o Rock-in-Roll (mesmo que nos tenha sido empurrado com cada gole de coca-cola), disco, techno-pop, hip-hop, Rap e misturamos tudo com os nossos próprios sons. Muitas vezes esta aceitação se expressou com um entusiasmo alienante. Outras vezes, apesar de uma certa relutância,  novos estilos híbridos surgiram da nossa estratégia de “se adaptar para sobreviver”.

Vale ressaltar que eu não tenho nenhuma intenção de criar um catálogo online sobre música do mundo. A National Geographic já fez isso. Eu também não pretendo escrever sobre o que é o mais recente neste gênero. Publicações como “ The Guardian” também  já fizeram isso. Nem é a minha intenção oferecer material de aprendizagem online. Coursera já tem oferecido um curso gratuito on-line chamado “Listening to World Music”. Berimbaudrum é apenas o meu “trabalho de amor” em que através de uma forma pessoal, espero surpreender, provocar e envolver você em discussões que não se limitam  a conversas sobre harmonia e escalas melodias, sem nos esquecermos de nos divertir ao longo do caminho. Afinal, esta é uma viagem – uma viagem boa, em que eu também procuro aprender mais e descobrir novas perspectivas que vão além da visão de uma Brasileira que vive no Reino Unido, ou de uma Britânica que nasceu no Brasil.

Sim, seria bom apenas limitar esta aventura em volta das qualidades estéticas das canções. Mas eu ficaria entediada muito rapidamente, e aposto que vocês também ficariam. Abordar os aspectos históricos, políticos, ambientais, tecnológicos e sociais que inspiram artistas é o que faz com que este tema seja tão interessante.

Yours & Mine: Som retro com um toque moderno

Yours & Mine acaba de lançar seu debut álbum “Crying” . O trio indie-pop, baseado na Ilha of Wight, Sul da Inglaterra, foi formado em 2011, depois que Marc Dyer (vocais e guitarra) e Webber Nathan (bateria e backing vocals) se encontraram e decidiram tocar canções escritas por Marc. Mais tarde, eles anunciaram no Facebook que estavam procurando por um baixista. Jordam Simpkins respondeu ao anúncio. Os integrantes tomaram inspiração na letra na canção “Suite: Judy Blue Eyes”, de Crosby, Stills e Nash para dar nome a banda.

Yours & Mine mostra uma forte influência dos anos 50s/60s ao punk dos anos 70, incluindo artistas como Roy Orbison, Buddy Holly, The Byrds Small Faces, Rolling Stones, composicoes de Motown: Holland-Dozier-Holland,  Buzzcocks, The Clash e The Jam. Mas os  músicos acrescentam mais do que um toque moderno às suas músicas, com um estilo próprio de interpretação.

Links Oficiais

www.yoursandmineuk.com

www.facebook.com/yoursandmine

www.soundcloud.com/yoursandmineuk

Clube da Esquina: 40 anos de música e poesia

Um dos movimentos  musicais mais poéticos do Brasil, se não o mais, completa 40 anos. O Clube da Esquina começou em 1963, quando Milton Nascimento conheceu os irmãos Lô Borges e Márcio Borges. Milton Nascimento, o mais famoso cantor e compositor de Minas Gerais, já era conhecido pelo publico com a sua voz afinadíssima e com uma qualidade quase hipnótica. Nascimento apresentou os irmãos Borges a Wagner Tiso e o resto de sua Banda. Outros músicos, como Tavinho Moura, Fernando Brant, Ronaldo Bastos, Beto Guedes, Flávio Venturini e 14Bis juntaram-se ao coletivo, durante o resto dos anos 60 e 70.

Em 1972, Milton Nascimento e Lô Borges lançaram o álbum “Clube da Esquina”, e é assim que o nome ficou gravado na História da Música Popular Brasileira. “Clube da Esquina” marcou um novo movimento musical cheio de renovação estética, melodia e fusão de ritmos tradicionais e originais. Suas influências foram diversas. Eles exploraram canções folclóricas e tradicionais, a Bossa Nova urbana, adicionaram toques de pop britânico e da psicodélia Californiana , como também se utilizaram de arranjos ousados ​​inspirados na obra dos Beatles. E tudo o que aconteceu durante um período muito difícil sob o olhar atento dos censores militares.  O primeiro álbum do Clube da Esquina  nos presenteou com canções como:

O Trem Azul

Cais

Cravo e Canela

Um Girassol da Cor de seus Cabelos

Paisagem na Janela

O Canto Gutural dos Tuvans

O concerto do Huun Huur Tu começa com os sons suaves de cordas, imitando a cadência de cavalos a galope. Os mesmos sons são graciosamente decorados por outros sons que se assemelham a grãos de arroz caindo em um frasco de vidro. Neste momento, a mente se enche de memórias de um som melódico a tranquilo de um riachinho se aproximando o momento de se tornar um rio. Depois de uma breve pausa, ganhamos uma surpresa: cada um dos artistas começa a cantar um tom individual e prolongado. Cada uma de suas vozes podem ser ouvidas como uma camada. E, embora cada uma dessas camadas é única, elas interagem com um as outras. Da para imaginar uma conversa entre notas musicais

Se eu pudesse descrever estes sons como imagens e movimento, eles seriam como folhas de outono que caem ao vento como se dançassem. Se eu pudesse comparar a música Tuvan com a música clássica, eu a compararia a um quarteto de cordas tocando Canone Pachebel em D, onde os instrumentos parecem interagir numa conversa animada. Esta é a mesma interpretação que os Tuvans fazem ao ouvir o som do vento viajando entre as montanhas em que vivem. É como se os elementos estivessem conversando entre si. As vozes dos cantores são grossas e vêm direto de suas gargantas, numa dureza semelhante ao próprio ambiente natural.

O canto gutural dos Tuvans produz um contraste curioso. É algo que se assemelha a uma oração ou mantra OM emitido por um Yogi. Mas em vez de desaparecer vagarosamente enquanto esvazia o ar de seus pulmões, pára de repente e começa novamente com a próxima respiração. Enquanto a aspereza me faz lembrar de sons dos Didgeridoos dos Aborígenes Australianos, a nova cadência se assemelha a canções de índios americanos.

Este é o momento em que o tema da Musica Tuvan se torna claro. Nomadismo é um aspecto que Tuvans têm em comum em suas vidas com os índios americanos e os aborígenes australianos. Eles são móveis como o vento. O mesmo vento que é feito de ar, o mesmo ar, cuja pequenas moléculas se movem, colidem entre si, vibram e batem nos nossos tímpanos nos permitindo ouvir música. Música, tendo ar como seu principal componente, não existiria sem o movimento. É o movimento que traz vida a música: o movimento de músicos que viajam, que compartilham seus sons onde quer que vão e assimilam outros sons onde quer que parem.

Sobre os Tuvans

Graças ao trabalho do etnomusicólogo Theodore Levin na década de 1980, o mundo veio a conhecer a tradição de canto gutural dos Tuvans. Tuva é uma área localizada na Federação Russa, ao noroeste da Mongólia. Tuvans são pastores nômades que vivem em tendas e utilizam cavalos para se deslocar na regiões frias e rochosas das montanhas. Os mitos sobre as origens do canto gutural Tuvan estão intimamente ligados ao ambiente em que vivem. Acredita-se que há vários séculos, um indivíduo desconhecido, tentou imitar a ressonância do som do vento em um lago. Esta experiência se transformou em uma tradição que evoluiu ao longo do tempo, para incluir sons de pássaros e do vento passando por montanhas.

Em seu livro “Where Rivers and Mountains Sing: Sound, Music, and Nomadism in Tuva and Beyond”, escrito em 2006, Theodore Levin descreve suas experiências com música Tuvan. Ele inclui detalhes sobre como a música Tuvan reproduz os sons, as ações dos animais e do ambiente em que eles vivem.

Hélices de Sol

O grupo música Tuvan Huun Huur Tu foi formado em 1992. Huun Huur Tu se traduz como raios de sol ou hélices do sol. Seu primeiro álbum “Horses In My Herd” foi lançado em 1993.

Graveola e o Lixo Polifonico

De lixo eles não tem nada! Graveola e o Lixo Polifônico  é uma banda formada pelo tipo de artistas que realmente gostam do que estão fazendo. Como tal, eles podem se dar ao luxo de ignorar qualquer estratégia batida de marketing concebida pela indústria da música. Para escrever sobre Graveola, eu passei um dia inteiro ouvindo suas músicas. No início, eu não conseguia ouvir qualquer diferença de qualquer outro samba. No entanto, cada cancao trazia uma surpresa com a originalidade da banda se desdobrando com elegância . Esta elegância  é natural e despojada de qualquer pretensão. Os músicos brincam com uma mistura de estilos: folk, rock, funk, blues e samba. A voz aveludada de José Luiz Braga é rara e nos faz lembrar dos cantores de radio da década de 50. Não tenho nenhuma dúvida de que  a maioria de vocês vão concordar que o seu canto é cativante.

Há alguns momentos em que Graveola nos faz lembrar da Tropicália, mas eles chegam com uma produção mais calma, afinal de contas, os tempos são outros. No entanto, assim como os músicos que revolucionaram a música brasileira durante o difícil período militar no Brasil, Graveola, e uma série de outros artistas, estão transformando o estado de Minas Gerais em uma nova cena da música brasileira.

Em Setembro de 2012, eles se apresentaram em Grécia, durante a Womex, uma das mais importantes feiras mundiais de música do mundo. Juntamente com outros músicos de talento igual, como Makely Ka, eles estão trazendo a atenção do mundo para a música de Minas Gerais .

Links Oficiais

http://www.graveola.com.br

http://www.maisumdiscos.com/graveola

http://itunes.apple.com/gb/album/farewell-ep/id568678973

http://www.myspace.com/graveolaeolixopolifonico

 

Titane e o Canto das Vertentes

Eu conheci a artista Titane  no final dos anos 80 durante um workshop de improvisação vocal na Fundação de Educação Artística em Belo Horizonte. A Fundação sempre foi muito mais do que uma escola de música. Se tornou um ponto de encontro criativo, onde os profissionais de música trabalham e aprendem ao lado de artistas em formação. Muitos dos músicos  estabelecidos de Minas Gerais já passaram pela Fundação de Educação Artística. Na época eu era uma menina de 15 anos brincando de aprender musica enquanto tentava descobrir o que eu queria ser quando crescer. Titane já era um cantora reconhecida que tinha acabado de lançar seu primeiro disco “Titane”. Como pessoa, ela me impressionou por sua calma, simpatia e paciência. Estas características mantiveram-se ao longo de sua carreira.

No início deste ano, Titane lançou um novo álbum inspirado nas influências culturais da África em Minas Gerais: “Titane e o Campo das Vertentes”. Com canções compostas por Sérgio Pererê, Makely Ka, Luiz Tatit, Beto Guedes, João Bosco e Aldir Blanc, Titane reúne uma coleção híbrida, misturando formas tradicionais de música com expressões mais contemporâneas.

“Titane e o Campo das Vertentes” acompanha um show com o mesmo nome, que reúne artistas profissionais e aspirantes no palco. Mais recentemente, foi lancado o DVD do show.

Links Oficiais

http://www.titane.com.br/

Ben Stubbs: Novo Talento da Isle of Wight

Ben Stubbs, da Ilha de Wight (Sul da Inglaterra), é um talento promissor. O compositor, cantor e guitarrista de 22 anos de idade, tem um estilo maduro e seguro. Suas principais influências musicais são The Beatles, Jack Johnson, REM e Ed Sheeran. Mas Ben tem um gosto diversificado e não tem medo da inovação.

As letras que ele escreve  fluem com naturalidade e leveza. Vectis Radar, a revista de música independente do Sul da Inglaterra, prevê que Ben estará em breve tocando em um dos grandes festivais de verão da região como Wight Festival ou o Bestival.

Links Oficiais

http://facebook.com/benstubbsmusic

http://soundcloud.com/ben-stubbs/ben-stubbs-that-soul